Das einzige und fantastische Soloalbum des Beach Boys-Drummers gibt es jetzt endlich in einer opulenten, aber absolut angemessenen CD-Wiederveröffentlichung. Auf 2 CDs findet Ihr das komplette Album, dazu viele Studio-Outakes, u. a. das nicht mehr vollendete zweite Soloalbum "Bambu". Ein Muss nicht nur für Beach-Boys-Fans. Eigentlich eher für "Nicht-Beach-Boys-Fans" bzw. für Freunde von "Pet Sounds", "Smile!" und "Surf's Up"!
(23.07.2008)

zum Plattentipp

Dies ist das Debütalbum der Stuttgarter Band um den Gitarristen Conny Veit, das mich musikalisch stark an englischen Bands wie Hawkwind (die zirpende Elektronik!) und Pink Floyd (die Orgel und die Gitarre!) erinnert. Dazu kommt, wie bei fast allen Produktionen aus dem Studio von Dieter Dierks aus dieser Zeit, dieser tolle Mellotronsound. Es haben anscheinend alle Bands im Studio an der Maschine herumgefummelt.

Einzige Schwäche des Albums ist der - zum Glück- nur untergeordnete Gesangs- bzw. Sprechanteil. Da wäre zum Beispiel bei der Nummer "Aggression" (die Lieder haben alle so blöde Titel), wo am Ende mit leicht schwäbischem Akzent die Textzeile "Unnachgiebiges aggressiv Bekämpfen ist Kampf gegen sich selbst" immer wiederholt wird. Oder die eher deutsche Aussprache des Wortes "Isolation" beim ansonsten englischen Text von "Kommunikation". Das ist zwar eigentlich völlig unwichtig, nervt aber schon ein wenig. Oder ist zumindest (unfreiwillig?) komisch.

Witzig ist vielleicht auch noch die Plattenfirma: damals hatte sich der Chemiegigant aus Mannheim/Ludwigshafen tatsächlich als Plattenfirma versucht. Vielleicht weil man dachte, wenn man schon Vinyl herstellt, dann könnte man auch das produzieren, was dort hineingepresst wird ...
(13.07.2008)

Mellow Candle stammten aus Irland und brachten es nur auf dieses eine Album auf dem damaligen Unterlabel Deram von Mutter Decca (der damaligen Progressivabteilung, ansonsten das Zuhause von The Moody Blues, Caravan, Savoy Brown, John Mayall und den frühen Thin Lizzy), mit dem jedoch nicht der kommerzielle Durchbruch gelang. Auch ich habe erst durch diese Wiederveröffentlichung von der Band erfahren.
Die beiden Sängerinnen Clodagh Simonds und Allison Williams standen mit ihren Liedern und Stimmen im Mittelpunkt und sorgten für die folkloristische Klangfarbe, während die Instrumentierung der Songs deutliche Tendenzen zum damals sehr beliebten "Progrock" hatten, auch wenn man das damals noch nicht so nannte. Als Vergleich fallen mir am ehesten noch Renaissance ein.
(25.05.2008)

Am letzten Sonntag war ich seit langer Zeit mal wieder auf einem Konzert in der Zeche Bochum, denn dort waren Pavlov's Dog zu Gast, die Band an der sich in meiner Jugend aufgrund der sehr hohen Stimme des Sängers David Surkamp (ich meine SEHR hoch!) die Geister geschieden haben. Ich habe die Band aber immer gerne gehört, u. a. weil die Band immer tolle Songs hatte. Entdeckt hatte ich den Konzerthinweis beim Stöbern durch die Musikzeitschriften in der Buchhandlung am Frankfurter Bahnhof. Mir fiel das Heft Eclipsed auf, die was über Pavlog's Dog, Frumpy und die Beach Boys brachten, ansonsten aber eher für den unsäglichen Progrock zuständig sind, der mich ansonsten nicht sonderlich interessiert. Da aber für die Zugfahrt dringend Lesestoff benötigt wurde und nichts anderes zu finden war, habe ich zugeschlagen. Der recht kurze Artikel samt Interview über die "Progrockband Pavlov's Dog" hatte aber einen Hinweis auf anstehende Europakonzerte - und da war als einziger NRW-Gig tatsächlich die Bochumer Zeche dabei!
Am nächsten Tag dann schnell eine Karte organisiert und hingefahren. Zu meiner Freude war das Konzert gut besucht und entpuppte sich als eines der besten, das ich in letzter Zeit gesehen habe. Zweimal hatte ich sogar Tränen in den Augen vor echter Ergriffenheit: beim allerersten Gesangston von David Surkamp (der es auch in den hohen Tonlagen immer noch voll drauf hat!), und dann bei meinem Lieblingslied "Standing Here With You" vom zweiten Album "At The Sound Of The Bell" von 1976. Gekauft habe ich mir dann nach dem Konzert das wiederveröffentlichte Debütalbum "Pampered Menial" von 1975, das ich bislang nur als Kassettenkopie hatte. Außer David Surkamp war beim Konzert von der alten Truppe auch noch Trommler Mike Safron dabei. Selten habe ich einen Trommler gesehen, der visuell so beeindruckend gespielt hat. Der Mann spielt ganz locker in der Liga von John Bonham, Keith Moon und dem "Tier" aus der Muppets-Show!
Und nach dem Konzert hat die Band fleißig alles unterschrieben, was man ihr vorgelegt hat: und so bin auch ich zu meinem wertvollen Exemplar mit den Autogrammen von David Surkamp und Mike Safron gekommen.
(28.07.2007)

Drei Alben des leider vor einigen Jahren verstorbenen Sängers und Songschreibers aus den 70ern und 80ern sind gerade erstmals auf CD erschienen: jeweils für kleines Geld (ca. 10 Oiro) und mit m. o. w. wichtigen Bonustracks: "Excitable Boy" von 1978, das Album mit dem er ein klein wenig bekannt wurden (natürlich wegen "Werwolves Of London"), das Livealbum "Standing In The Fire" von 1980 und eben "The Envoy" von 1982, das damals aber kaum jemand gekauft hat und ihm wohl auch seinen Plattenvertrag mit Elektra gekostet hat.
Aus der zeitlichen Distanz gehört muss man sagen, dass das Album musikalisch (sowieso) und klanglich (manchmal sind die Keyboard-, Schlagzeug- und Gitarrensound ein klein wenig mit dem digitalen 80er-Mief behaftet - aber nur ein ganz klein wenig) ein Lichtblick in der musikalischen Ödnis der frühen 80er Jahre ist.
Textlich war Warren Zevon immer einer der Allerbesten. Poetisch und politisch. Wenn ich jetzt den Titelsong höre stelle ich mit Erschrecken fest, dass die Welt in den letzten 25 Jahren sich leider nicht zum Besseren gewandelt hat:

... und noch eine obskure Folksängerin aus den 70ern, die es zu entdecken gilt und für die Devendra Banhart sich kräftig in's Zeug legt. Vashti Bunyan und Sibylle Baier fand ich ja auch ganz schön - aber doch nicht sooo toll, wie es vielerorts zu lesen war. Die Stimmen der Ladies sind halt gewöhnungsbedürftig. Gleiches sagt man jetzt zu Karen Dalton, weshalb ich vor der Anschaffung auch erst einmal gezögert habe.
Wie Ihr richtig vermutet habe ich die zögerliche Phase hinter mir und lausche nun einem wundervollem musikalischen Kleinod.

Zum Abschluss noch ein paar "Inhaltsangaben", die neugierig machen sollen: aufgenommen wurde in den Bearsville-Studios zu Woodstock mit vielen der dort damals ansässigen Musikern, die durchweg für Qualität bürgen: Bassist (und hier auch Produzent) Harvey Brooks, die Gitarristen Amos Garrett und John Hall, die Pianisten Richard Bell und John Simon, beide mit Bezug zu "The Band" (von der zwar keiner mitspielt, aber immerhin wird Richard Manuels "In A Station" in einer sehr schönen Version gebracht!), Neil Youngs Steeler Ben Keith und noch ein paar andere, die man ansonsten auch auf Platten von Janis Joplin und Bonnie Raitt aus dieser Zeit hören kann.
Karen Dalton singt mit einer Billie Holliday nicht unähnlichen Stimme (das steht scheinbar in jeder Besprechung, stimmt aber tatsächlich und ist doch ein tolles Kompliment!), spielt Gitarre und Banjo (deshalb habe ich sie auch aufgenommen in meinen Club der Banjogirls), und schrieb keine eigenen Songs, sondern brachte hier eine ziemlich interessante und untypische Liedauswahl. Neben den zu erwartenden Folksongs und Liedern von anderen Songschreibern dieser Zeit (u. a. von Dino Valenti von Quicksilver Messengers Service und Paul Butterfield) werden auch zwei auf den ersten Blick scheinbar unpassende Soulhits sehr schön interpretiert: "When A Man Loves A Woman" (Wilson Pickett?) und der Motown-Klassiker "How Sweet It Is".
(05.12.2006)

Endlich bin ich auch im Besitz des bislang raren Debütalbum dieser unbekannten englischen "Psychedelic Band" aus den späten 60ern/frühen 70ern, die genauso wie ihre Waliser Kollegen von Man gerne mit amerikanischen Bands wie den Allman Brothers und den Grateful Dead verglichen wurde. Bisher kannte ich nur das gute zweite Album "A Jug Of Love" von 1971, aber dieses hier ist noch viel besser. Leider ging das damals gerade gegründete Head-Label nach kurzer Zeit auch schon wieder Pleite und die Platte war schwer zu bekommen.
Nach Coverinformationen ist diese Wiederveröffentlichung vom englischen Ace-Label zwar schon von 1994, aber anscheinend handelt es sich genauso wie bei Millie Jackson um eine ganz frische Wieder-Wiederveröffentlichung aus Deutschland. Wie auch immer.
Zurück zur Band: sie standen mit ihrer Musik im damaligen England zwischen aufkommenden Heavybands im Windschatten von Led Zeppelin mit ihren leicht jazzigen Rockimprovisationen wohl irgendwie auf verlorenem Posten. Alle Beteiligten Musiker waren dann in anderen, "normaleren" Bands oder als Studiomusiker mehr oder weniger erfolgreich: Rhythmusgitarrist Bam King gründete mit Paul Carrack die Pubrockband Ace, die 1974 mit "How Long" zum One-Hit-Wonder wurden. Leadgitarrist Martin Stone landete zusammen mit Snakefinger bei Chilli Willi & Red Hot Peppers. Keyboarder/Flötist/Sänger Ian Whiteman, Trommler Roger Powell und Bassist Michael Evans sind auf ein paar sehr schönen Alben dieser Zeit zu hören, u. a. von Andy Roberts, John Martyn, Sandy Denny, Iain Matthews, sowie Richard & Linda Thompson.
(28.10.2006)

Ein "One Hit Wunder" der frühen 90er: "There She Goes" wird wohl jeder kennen, wenn auch nur in einer Coverversion oder aus dem Fernsehen (bei irgendeinem Privatsender war das Lied auch mal die Erkennungsmelodie einer Serie). Sänger/Songschreiber Lee Mavers umgibt die Aura des exzentrischen Sonderlings und lange hat man nichts mehr von ihm und seiner Band gehört. Jetzt tauchte der Name gelegentlich wieder auf, z.B. outete sich Oasis-Oberfiesling Noel Gallagher als Fan, und ich wollte meine alte Platte mal wieder rauskramen, wobei ich aber feststellen musste, dass ich leider gar kein Original, sondern nur eine Kopie auf Kassette besaß! Die anschließende Suche im Plattenladen und bei amazon war dann leider nicht erfolgreich: offensichtlich ist die Neupressung von 2001 auch schon wieder vergriffen oder zumindest schlecht zu bekommen. Bei Glitterhouse, meinem Lieblinxversand, wurde ich dann aber doch noch fündig.
Zurück zur Musik: The La's stammen aus Liverpool und machen Gitarrenpop. Mehr muss eigentlich nicht gesagt werden. Enttäuscht von der Platte werden nur diejenigen sein, die alle anderen Lieder an "There She Goes" messen. Der Rest fällt da ein wenig ab, aber letztendlich ist das ein schönes Stück Popmusik.
(03.12.2005)

Eine Neuauflage der beiden alten alten CBS-Alben von 1974/75 auf einer Doppel-CD, erweitert um Singles und unveröffentlichtes Material. Kann man genauso wie "Fallen", die 2002er CD der neuen Band The Falcons der alten SEAL-Musiker Tony Poole und Ian Whitmore nur über das Internet direkt über Tony bei Aurora Music beziehen. Hier deshalb nur die Emailadresse und der Hinweis auf meine alten Rezensionen:
(17.02.2005)

Bestellen über:

"Starry Eyed And Laughing" (1974)
"Thought Talk" (1975)

Zur Abwechslung hier mal eine Platte, die von Euch sicherlich kaum jemand gerade auf der Rechnung hat: Bei Booker T. Jones handelt es sich natürlich um den Orgelspieler der damals gerade frisch aufgelösten legendären Instrumentalcombo Booker T. & The MGs, Hausband des megalegendären Stax-Labels. Frisch verheiratet mit Priscilla Jones, geborene Coolidge, (natürlich) Schwester der von mir sehr verehrten Rita Coolidge und gleichfalls eine ausgezeichnete Sängerin. Beide hatten gerade den Süden verlassen und waren nach Kalifornien umgezogen, was man der Musik deutlich anmerkt: Westcoast-Singer/Songwriter-Musik, wenn auch mit starken Wurzeln in Blues und Gospel. Priscilla singt mit einer tieferen, eher nach Gospel klingenden Stimme als ihre Schwester, während Booker T. sich nicht mehr alleine auf die Orgel konzentriert, sondern viel Klavier und auch gelegentlich Gitarre spielt - und sich als ausgezeichneter Sänger entpuppt! Die Begleitband ist ebenfalls ausgezeichnet (Jim Keltner am Schlagwerk, Chris Ethridge (Ex-Flying Burrito Brother) am Bass und Jesse Ed Davis (Taj Mahal-Band) an der Gitarre. Es gibt fast ausschließlich Eigenkompositionen der beiden (getrennt oder gemeinsam), aber auch eine bemerkenswerte Coverversion: Booker T. bringt hier die meine Wissens nach erste Version von Gram Parsons "She", das jener erst 1973 auf seinem Solodebüt veröffentlichen wird, vermutlich vorgeschlagen von Chris Ethridge, der mit Parsons zusammen bei den Burritos war. Weiterer Höhepunkt sind der Gospelsong "Ole Man Trouble", das fast zeitgleich auch von Chris Etheridge und Booker T. als Gastkeyboarder auf dem Album "L.A. Getaway" eingespielt wurde, sowie der fast 10minütige "Delta Song", in dem Priscilla von der gemeinsamen Kindheit mit Schwester Rita erzählt und ganz wunderbar Gospel und ihre eigenen indianischen Wurzeln gesanglich zusammenbringt, während Booker T. dazu eine wunderbar rudimentäre Gitarre im Stil von Pops Staples spielt.

Letztes Verkaufsargument: es handelt sich um ein Doppelalbum von fast 80 Minuten, wiederveröffentlicht auf einer einzigen, recht preisgünstigen CD!
(04.10.2004)

"Funk, Soul & Bossa Grooves 65-77" heisst es im Untertitel dieser Billigpreis-Kompilation (<10€). Aber warum taucht ein solcher Sampler auf dieser Seite auf?

Acid Rock aus Brasilien? Als ich diese Platte vor einigen Monaten in einer Alltime-Bestenliste (bei Rate Your Music) entdeckte, wurde ich neugierig. Bei Amazon fand ich dann tatsächlich die CD im Angebot und es hat jetzt so ungefähr 2-3 Monate gedauert, bis die Platte doch tatsächlich bei mir ankam. Und zwar als echte brasilianische CD mit einem Textheft in portugiesisch, sodass ich mich auch nicht weiter schlau machen kann, außer dass das Trio neben eigenem Material auch Songs von Jorge Ben, Caetano Veloso und Gilberto Gil spielt - also allererste brasilianische Adressen. Die Musik? Völlig irre und doch absolut in das Jahr 1968 passend.
"Os Mutantes" heißt natürlich "Die Mutanten": deshalb im Plattenschrank unter "M" einsortieren. Oder stehen bei Euch die Beatles etwa unter "T" ?
(12.06.2004)

Das Reprise-Albums einer Sängerin, die mir bislang völlig unbekannt war! Aber man kann sich ja bei den Wiederveröffentlichungen vom Water-Label aus San Francisco auf die Qualität verlassen: so gab's im letzten Jahr Terry Reids Meisterwerk "River" und auf dem CD-Stapel habe ich noch "L.A. Getaway" liegen. Zu letzterem demnächst vielleicht mehr. Das titellose Album ist, so weit ich weiß, ihr einziges Soloalbum geblieben. Kurz nach der Veröffentlichung zog sie sich mit ihrem Mann Doug Tibbles aus dem Musikgeschäft zurück und soll sogar den Vorschuss von Reprise einfach zurückgezahlt haben. Ich habe dann ein bisschen weitergegoogelt, wobei herauskam, dass sie aktuell ein elektrisches Gitarrentrio mit ihrem Mann am Schlagzeug und ihrem Stiefsohn am Bass namens Stone Coyotes betreibt , das musikalisch irgendwo zwischen Patsy Cline und ZZ Top (!) liegen soll. Es gibt da auch mehrere CDs, von denen ich aber leider (noch) keine kenne. Als Songschreiberin war sie damals zumindest gleichermaßen in Folk, Blues und Country zu Hause. Die Songs vom Debüt wurden auch gelegentlich gecovert, „Detroit Or Buffalo“ gibt's vom Glitterhouse-Spezi Neal Casal, Delaney & Bonnie hatten mit "Free The People" Erfolg. Mir bekannt ist nur "A Stone's Throw Away", das der Titelsong vom Valerie Carter-Debüt wurde, was mir aber jetzt erst auffiel, da auf dem Plattenlabel dort als Autor "B.Keith/D.Tibbles" steht und ich da eher auf den Neil Young-Buddy Ben Keith getippt hatte. Ebenfalls hervorzuheben sind eine schöne funkige Version von Dylans „All Along The Watchtower“, die neben der damals sehr bekannten und zugegebenermaßen genialen Version von Jimi Hendrix durchaus bestehen kann. Sehr mutig! In der Besetzungsliste findet man schließlich das "Who Is Who" der L.A.-Studioprominenz. Alles Leute, die über jeder Kritik erhaben sind und eigentlich immer bestes -persönliches und gleichzeitig songdienliches- Handwerk abliefern: u. a. Little Feats Lowell George, Flying Burrito Brother Sneaky Pete, die Trommler Jim Keltner, Russ Kunkel und Ron Tutt, die Bassisten Emory Gordy, Max Bennett und Lee Sklar, Spooner Oldham und Craig Doerge an den Tasten, außerdem noch Richard Bennett, später Meistergitarrist und Produzent in Nashville, an der Pedalsteel und Danny Kortchmar. Mittelpunkt der Platte ist aber trotz dieser beeindruckenden Instrumentalistenriege Barbara mit ihrer Stimme und ihren Songs.
(01.05.2004)

Ein Muss für den Velvet Underground-Kenner - und mir bisher völlig unbekannt, obwohl schon seit Längerem ein Bootleg von dem damaligen Auftritt der drei für das französische Fernsehen existiert! Ob allerdings auch das brandneue Lou Reed-Livealbum ein Muss ist? Keine Ahnung! Ich konnte mir noch nicht einmal den Namen merken: Am aktuellen Output Herrn Reeds habe ich im Moment irgendwie kein sonderliches Interesse. Schon das letzte Livealbum "Perfect Night Live In London" (von 1998 - also noch gar nicht so alt!) habe ich mir nach dem Kauf nur selten angehört und steht jetzt im Regal - was nicht weiter schlimm ist. Aber auf jeden Fall ist der Bedarf nach mehr da bei mir im Moment nicht besonders groß. Anders dagegen diese einmalige Kollaboration unserer drei Helden bei diesem Konzert. Der Ekstase der französischen Fans scheint man anmerken zu können, dass sie sich der Einmaligkeit des Ereignisses bewusst sind.
(09.04.2004)

"Remasterte Wiederveröffentlichung des `68 erschienenen Debüt-Albums, dass ungerechterweise von den Fairport Fans nicht wirklich ernst genommen wurde, da hier Judy Dyble statt Sandy Denny singt. Dabei ist ein schönes Folk-Rock-Album, das weit mehr Westcoast- als traditionelle Brit-Folk-Einflüsse hatte. Neben einigen guten Originalen gibt es Coverversionen von Joni Mitchell („Chelsea Morning“), Dylan (Jack`O´Diamonds”), Emmitt Rhodes („Time Will Show The Wiser“) und Jim & Jean." (Glitterhouse)

Da hat der Glitterhäusler recht: auch mir ging es nicht anders. Zwar besitze ich schon einige Jahre ein Vinyl-Reissue von 1973 mit anderem Cover, das ich aber schon ewig nicht mehr aufgelegt habe. Vergangenen Sommer hatte ich dann auch schon mal Fairports Debüt über's Internet zu ordern versucht, Firma Glitterhouse ließ mich aber im Stich. Danach hatte ich's wieder vergessen und jetzt das Teil im neuen, ansonsten nicht besonders gut sortierten neuen Weseler CD-Supermarkt entdeckt und endlich eingepackt. Die Musik ist für die Fairport-Folk-Puristen wirklich etwas ungewohnt und klingt extrem amerikanisch (wie gesagt: Dylan, Mitchell, Cohen, Buckley,...). Wer weiß, was aus der Band geworden wäre, wenn Judy Dyble nicht ausgestiegen und Sandy Denny ihren Platz eingenommen hätte? Eher Englands Jefferson Airplane als die Pioniere des Folkrocks? Judy's einziges andere, mir bekannte musikalische Lebenszeichen ist übrigenz die Demoversion von "I Talk To The Wind", zu finden auf dem King Crimson-Sampler "A Young Man's Guide To King Crimson" und für W4L eher eine Inspiration, als die (natürliche fantastische, aber nicht nachspielbare) Version auf "In The Court Of The Crimson King".
Zwei der Bogus-Tracks sind mir schon von der 87er-Compilation "Heyday" auf Hannibal bekannt. Mit "Morning Glory" ist eines meiner Lieblinxlieder von Tim Buckley dabei, das ich auch schon immer mal mit meiner kleinen Kapelle spielen wollte. Vielleicht demnächst?
(28.03.2004)

Zwar spielen W4L weiterhin nichts von Tim, aber es gibt jetzt eine eigene, neue Band dafür: das Tim Buckley-Projekt, zusammen mit meinem alten Freunden Frank Preuß und Mathias Schüller!
(Dez. 2005)

Chris ist ein Akustikgitarrist, der sowohl als Folk- und Bluessänger, als auch als Gitarrenkönner bestehen kann. Er war damals bei dem Label Poppy (blöder Name!) unter Vertrag und hatte bereits die Alben "I´m A Stranger, Too" (1970) und "Don´t Drag It On" (1972) mit dem Produzenten Michael Cuscuna eingespielt. 1973 wechselte der Vertrieb von Poppy zu United Artists, aber leider machte Poppy noch vor Veröffentlichung dieses dritten Albums schlapp und es verschwand für 31 Jahre in der Versenkung. Also ist das eigentlich keine Wiederveröffentlichung, sondern eine Premiere, obwohl Chris die meisten der Lieder auf späteren Alben erneut aufgenommen hat. Aber eben doch "Lost & Found" im wahrsten Sinne!
Die Musik hat diese wunderbare spät60er/früh70er-Mischung aus Folk, Blues und Jazzelementen, die man auch von Tim Buckley, Tim Hardin oder (der frühen) Bonnie Raitt kennt. Eben "Singer/Songwriter-Musik"! Die Ähnlichkeit zu Bonnie Raitts Meisterwerk "Give It Up" rührt sicherlich auch daher, dass der Produzent in beiden Fällen Michael Cuscuna ist. Auf beiden Alben sind dann z.B. auch der ausgezeichnete englische Jazzbassist Dave Holland, der Songschreiber und Multiinstrumentalist Erik Kaz (American Flyer) und der englische Sänger Jackie Lomax (hier als Bassist!) zu hören. Auf "Give It Up" gibt's mit "Love You Like A Man" sogar ein Lied von Chris Smither. Ich denke, man/frau kannte sich. Weitere hochkarätige Gäste, die sich wunderbar in diese Musik einfinden: Dr. John und Bill Payne am Piano, Lowell George (ebenfalls von Little Feat) mit exzellenter Slidegitarre, Perkussionlegende Ralph McDonald, Vibraphonist Mike Manieri, Jazzklarinettist Perry Robinson und Flötist Robin Kenyatta.
Die Hälfte der Lieder stammt zwar von Chris Smithers selbst, er war aber immer auch für seinen guten Geschmack bei der Auswahl von Fremdmaterial bekannt. Auf "Honeysuckle Dog" (aufgenommen im Dezember 72 und im April 73) gibt es z.B. die erste Version von Randy Newmans "Guilty" (geschrieben 1971 und von Newman selber erst für "Good Old Boys" im Sommer 1974 aufgenommen), "Steel Guitar" von Danny O'Keefe (von dessen 71er Debüt), ein schönes Medley aus Motiven von Mississippi John Hurt (der Titelsong) und mit dem "Jailhouse Blues" sogar eine Bessie Smith-Adaption.

Fazit: ein amtliches Album. Aber wieso musste so etwas 3 Jahrzehnte in den Kellern einer Plattenfirma vergraben sein?
(21.03.2004)

"Radio Marrakesch" heißt das erste von insgesamt nur drei Stücken auf dieser Platte und war auch auf dem Sampler "German Rock Scene" zu hören, den man für sensationelle 5 Mark damals exklusiv beim Govi-Versand bestellen konnte. Ich bin zwar nie ein besonders großer Embryo-Fan gewesen (keine Ahnung eigentlich, warum!), aber dieses Album habe ich immer gemocht, auch wenn meine alte Vinylausgabe von ca. 75/76 so ein blödes anderes Cover hatte (ein Riesen-Ei mit Reißverschluss, wenn ich mich richtig erinnere!). Vor wenigen Tagen habe ich dann ein CD-Reissue von 1998 bei Möbel-Rück in Oberhausen erstanden - und jetzt gibt's taufrisch eine weitere (?) Neuveröffentlichung von Motor-Musik!
Doch zurück zur Musik, denn ich will noch mal kurz das Augenmerk auf die beteiligten Musiker legen. Neben Trommler/Vibraphonist Christian Burchard, der die Band auch heute noch leitet, und seinem langjährigen Gitaristen Roman Bunka sind da besonders zwei amerikanische Jazzer an den Tasten zu erwähnen, die damals in München lebten: Pianist Mal Waldron, der hier auf einem etwas schrägen E-Piano rumhackt (offensichtlich kein Rhodes oder Wurlitzer) und Organist Jimmy Jackson, der auch ein scharfes Mellotron in der wunderschönen Ballade "Dreaming Girls" spielt, die in einer neueren Version unter dem Namen "Forgotten Sea" bereits auf dem aber vorher bereits bei Liberty erschienen Album "Father Son And Holy Ghosts" zu hören war. Oder wie herum und warum auch immer. Eines der wenigen dieser Mellotrons (eine Kreuzung aus Orgel und Tonband aus der prädigitalen Zeit) in Deutschland war damals im Tonstudio von Dieter Dierks zu finden, weshalb dieses eine Instrument auch auf vielen anderen Krautrockplatten jener Zeit zu hören ist!
(14.03.2004)

"Christian Burchards Embryo ist bis heute unverwüstlich, zur wahren Hip(py)ness gehörte in den Siebzigern ein Embryo-Album. Hier gingen Krautrock und Weltmusik eine ganz frühe Verbindung ein. Teils entfesselte Jazzrock-Trips und rhythmische Parforce-Ritte. " (Glitterhouse)

Ist das Jazz? Bossa Nova? Oder bloß "Easy Listening"? Völlig egal!
Ich habe an diesen "Cocktail-Sound" noch ganz lebhafte Kindheitserinnerungen: Ich hatte als kleiner Bub immer die kostenlose Fernsehzeitschrift aus dem Radiogeschäft geholt mit einer Hitparade drin, in der immer viel James Last und Freddie Quinn und viel zu wenig Beatles vorkam, aber eben auch dieser Mr. Mendes, der mir damals natürlich überhaupt nichts sagte. Vor ein paar Jahren entdeckte ich dann auf dem Soundtrack "I Shot Andy Warhol" das Lied "Mais Que Nada", von dem ich mal behaupte, dass es wohl jeder aus meinem Jahrgang kennen müsste. Schnell habe ich mir dann den Sampler "Foursider" besorgt, auf dem Beatles-, Buffalo Springfield- und Joni Mitchell-Songs ein Cocktail-Jazz-Gewand verpasst bekamen und manche Bossa-Nova-Klassiker (viel von Tom Jobim, aber eben auch Jorge Ben's "Mais Que Nada") dem nordamerikanischen/europäischen Publikum näher gebracht wurden.
Und jetzt habe ich mir das 2. Album der band als Wiederveröffentlichung in der Verve-Jazzserie mit einem wunderschönen, der alten A&M-LP nachempfundenen Pappcover besorgt. Die Band (außer Sergio noch drei Musiker an Bass, Schlagzeug und Perkussion und zwei Sängerinnen) macht auf dem Cover doch wohl einen extrem coolen Eindruck? Man hat fast den Eindruck, hier würde der Zustand des "Coolseins" gerade erfunden. Und entsprechend ist auch die Musik!
(14.02.2004)

Mit dieser Doppel-CD liegen nun wohl alle Aufnahmen vor, die Jackson C. Frank zu Lebzeiten (1943-1999) gemacht hat. Sein einziger bekannter Song gab auch den Titel dieser Doppel-CD ab, die im Teil 1 das wirklich wunderschöne Debüt von 1965 enthält, ergänzt um die Single "Blues Run The Game" (mit 2. Gitarre von Al Stewart "noodling in the background" und der Premiere von Sandy Denny als "Recording Artist" am Tambourine, die damals Jacksons Freundin war, sowie nicht veröffentlichte Outtakes von einem Comeback-Versuch von 1975.
CD2 ist dagegen nur was für Hard-Core Fans: von einem 78er Acetat gerettete erste Aufnahmen von 1960 mit natürlich scheußlicher Klangqualität bis hin zu letzten Aufnahmeversuchen von 1994.

Jacksons trauriges Leben kann man im Booklet ausführlich studieren, wobei einem die Tränen kommen (ernst gemeint!): in früher Jugend wäre er im Schulhaus fast verbrannt, mit bleibenden körperlichen und mentalen Schäden. Dann eine wilde Jugend mit teuren Autos, die er sich vom Schmerzensgeld aus dem Unfall kaufen konnte. Das Geld verprasste er mit seinen Homebuddies, zu denen u. a. Eric Anderson und der spätere Steppenwolf-Gründer John Kay gehörten. Dann als Folksänger 1965 in London jedermanns Held, auch der von Paul Simon, Al Stewart, Tom Paxton, Bert Jansch und anderen, mit einem - wie schon gesagt - monumentalen Song und einem wunderschönen Album. Dann die Rückkehr nach Amerika und gescheiterte Comebackversuche in 1969 und Mitte der 70er, immer unterbrochen von langen Krankheitsphasen mit Psychiatrieaufenthalten. Er verlor sogar als unschuldig Beteiligter ein Auge in einer Schiesserei (seine letzten Fotos sind erschütternd anzusehen!) und besaß schließlich noch nicht einmal mehr eine eigene Gitarre. Die letzten Aufnahmen von 1994 waren nicht mehr als Therapie für einen gebrochenen Mann.

Was bleibt? Eine tragische Geschichte, aber auch ein wunderschönes Lied für die Ewigkeit.
(13.01.2004)

Eigentlich wollte ich mir dieses Album aus dem 4er-Pack der Neil Young-Wiederveröffentlichungen nach dem essentiellen "On The Beach" und dem zumindest guten "American Stars 'N Bars" ja gar nicht anschaffen - aber in einem schwachen Moment ist es jetzt doch geschehen. Da Mr. Young mit seinen letzten beiden Alben unsere Leidensfähigkeit ja ganz schön strapaziert hat, bleibt einem als alter Fan ja nur die Möglichkeit, in den alten Sachen zu stöbern. "Hawks & Doves" gehört sicherlich nicht zu den Grosstaten von Neil Young, hat aber immerhin ein paar gute Momente: So fängt die CD mit "Little Wing" recht schön an, wird aber plötzlich, bevor er richtig losgeht, einfach unmotiviert ausgeblendet. Dann kommt "The Old Homestead", auf dem das unvergleichliche Schlagzeugspiel von Levon Helm (The Band), der Bass von Tim Drummond und eine singende Säge zu hören sind. Der dritte Lied heißt "Lost In Space", ist eigentlich eine sehr schöne Nummer, wird aber kurz vor dem Ende durch schneller abgespielte Stimmen von "Aliens" verfremdet, die eher wie die Schlümpfe klingen und genauso nerven, wie die Megafon-Einlagen auf "Greendale". Gelungen sind eigentlich nur die beiden nächsten Songs: "Captain Kennedy" und "Stayin' Power".
Gesamtfazit: ein weiterhin nicht essentielles Neil-Young-Werk, aber zumindest hörbarer als das furchtbar langweilige "Greendale", dem es in manchen Momenten aber leider ähnelt! Ohne die Säge und die Schlümpfe wäre es sogar noch besser.
(22.11.2003)

Keine Ahnung, wie ich auf das Album gekommen bin! Weder bin ich je Ten Years After-Fan gewesen, noch ist mir Mr. LeFevre ein Begriff (er soll wohl mal in jungen Jahren für Elvis einen Song verfasst haben!). Ich kann mich aber noch schwach erinnern, dass ich das Album damals, im zarten Alter von 14 Jahren, sogar ziemlich uncool fand. Gestern, beim Wühlen im Plattenladen bei "L-Diverse" auf der Suche nach der neue Daniel Lanois-CD (war leider nicht da) fiel mir diese Neuauflage als CD in die Hand und irgend eine innere Stimme sagte mir: unbedingt anhören! Ich gehorchte natürlich und stelle nunmehr fest: das Album klingt überhaupt nicht nach Ten Years After, eher nach Delaney & Bonnie & Friends, falls das jemandem von Euch da draußen (noch) etwas sagt: Country, Gospel, Blues und natürlich Rock'Roll.

"On The Road To Freedom" hat Alvin Lee zusammen mit dem amerikanischen Gospel-Sänger Mylon LeFevre aufgenommen. Nachdem Alvin Lees Band Ten Years After größere Abnutzungserscheinungen zeigte, galt es neue Wege zu beschreiten. Behilflich waren dabei unter anderem Steve Winwood, Rebob und Jim Capaldi von Traffic, Ian Wallace und Boz Burrell von King Crimson, Andy Stein und Bobby Black von Commander Cody & His Lost Planet Airmen, Tim Hínkley, Mike Patto, Ron Wood und Mick Fleetwood. Besonders hervorzuheben ist die George Harrison-Komposition "So Sad (No Love Of His Own)", bei der ein gewisser Hari Georgeson den Bass und die Slide-Gitarre spielt.

Reissue des Soundtracks zum Spaghetti-Western des mir völlig unbekannten Theo Buhara, laut Angaben von Motorpsycho-Bassist Bent Saether "the infamous ameritalian B-movie director". Dabei soll es sich um eines seiner schwächeren Werke handeln: also wohl eher ein "C-movie"? Egal, denn endlich kann ich die Country-Seite meiner Lieblinxband aus Norwegen nun endlich auch auf Tonträger genießen, denn die Platt erschien 1994 als limitierte, somit obskure CD und 1996 noch mal als obskure Doppel-10inch mit Bonustracks der "International Tussler Society", wie sich Motorpsycho&Friends nach den Soundtrackaufnahmen von 1993 bei einigen Liveshows 1995/96 frei nach Gram Parsons "International Submarine Band" nannten.
Neben dem Kerntrio Bent Saether (Gesang, Bass, Gitarre), H.M. Ryan (Gitarre) und Hakon Gebhardt (eigentlich der Drummer, hier aber hauptsächlich am Banjo zu hören, genauso wie bei seinem späteren Bluegrass-Projekt "HGH") sind drei weitere norwegische Musiker zu hören: Sänger/Keyboarder Barry Hillien, Pedalsteeler Kjell Karlsen und Trommler Lolly Hanks, Jr.
Das Reissue ist zwar schon seit Juni veröffentlicht, ging aber bisher an meiner Aufmerksamkeit vorbei, da Glitterhouse nur spärliche Informationen bot (die mögen scheinbar lieber andere Norweger wie "Midnight Choir") und ich mit Soundtracks meistens nicht viel anfangen kann. Gestern hatte ich im Plattenladen dann aber doch mal einen Blick in das Booklet geworfen und stellte fest: neben vielen neuen oder umarrangierten alten Motorpsychonummern gibt es ein wunderbares Neil Young-Cover (das obskure "Albuquerque" vom 1973 aufgenommenen, aber erst 1975 veröffentlichten Album "Tonight's The Night" - lange nicht mehr gehört!), ein kräftiges "Lazy Days" von Gram Parsons (vom zweiten Flying Burrioto Brothers-Album "Hot Burrito", eigentlich aber wohl ein Outtake vom Parsons/Byrds-Klassiker "Sweetheart Of The Rodeo"), ein selten gehörtes Gene Clark/Doug Dillard-Lied (von deren Platte "The Fantastic Expedition Of Dillard & Ckark") und gleich 4 Grateful Dead-Songs, die alle klasse rüberkommen, besser als von manchen Dead-Bootlegs: das eng mit den Dead verbundene Traditional "I Know You Rider" (z.B. auf "Europe 72" zu hören), der "Birdsong" (eine meiner Lieblingskompositionen von Garcia/Hunter und von Jerry's Solodebüt "Garcia (The Wheel)" von 1972) in einer echten Killerversion, Bob Weirs rockende Chuck Berry-Hommage "One More Saturday Night" von seinem Solodebüt "Ace" (ebenfalls von 1972) und dann ganz am Schluss die Dead-Countrynummer schlechthin: "It Must Have Been The Roses" von Dead-Lyriker Robert Hunter, hier mit göttlicher Pedalsteel von Kjell Karlsen.
Fazit: fast wie bei den Kinderüberraschungen: drei Dinge zusammen in einem, die mich in Verzückung bringen: Dead, Country & Motorpsycho - genialer Hippiecountryrock!
(12.10.2003)

Terry Reids leider nur sehr schmales Gesamtwerk habe ich komplett auf Vinyl, aber lange nicht mehr gehört. Darunter gibt es mit "River" auch einen absoluten Klassiker. Da musste dann natürlich das remasterte Reissue her!

Auch nach den englischen Blättern Mojo (Tim Buckley-Vergleiche) und Uncut ein Meisterwerk. Auch wenn der Glitterhousemensch das "nicht wirklich verstanden" hat. Trotzdem danke für's Importieren.
(14.09.2003)

"its pleasures are so quiet and unassuming that they only reveal their true power through extended listening“ (Uncut)

Vielleicht ist "American Stars 'N Bars" nicht so "bedeutend" wie "On The Beach", aber meiner Meinung nach doch viel besser als der Ruf! Und natürlich viel besser als die anderen beiden Wiederveröffentlichungen.

Das neue Werk "Greendale" habe ich inzwischen bekommen. Und mein mulmiges Gefühl hat sich leider bewahrheitet. Ich hatte die CD bisher einmal im Player und fand sie so furchtbar, dass ich noch nicht wieder reinhören konnte. Deshalb gibt's da vorerst keine Besprechung. Vielleicht wage ich mich heute im Laufe des Tage noch mal ran an das "Werk"...
(14.09.2003)

Ich habe "Greendale" jetzt endlich weggepackt und muss leider sagen: das wird nichts mit uns beiden! Einfach nur langweilig das Ganze. Und wenn man dann auch noch bedenkt, dass andere "Altersgenossen" wie Van Morrison und kaum Jüngere wie Emmylou Harris und Rickie Lee Jones dieser Tage zwar nichts Innovatives, aber immerhin Zeitloses in Vollendung vorlegen muss man einfach enttäuscht sein. Zumindest ist die Bonus-Live-Solo-Akustik-DVD ganz O.K.!
(29.10.2003)